假如還有人覺得Mono的唱片聽起來不夠High，那麼阿勞與朱里尼合作的布拉姆斯兩首鋼協值得一聽。無可諱言，立體聲版聽起來很棒，畢竟一度是TAS榜上有名的片子，但是這編號33CX 1822，Stamper XAX 2328-1S的mono版本卻是我欣賞此一曲目時的首選。那種布拉姆斯欲語還休的特色表現得極為恰到好處。我不能不歸功於這其實也是朱里尼的指揮太符合這兩首曲子的特性了。在立體聲演奏裡，我能提出來比拚一下的只有巴克豪斯與齊瑪曼而已，論聲音，此一版本與齊瑪曼的數位錄音相比，各擅勝場。
2010年9月15日 星期三
重獲新生的AT Mono3唱頭
將近半年多前，我一個不小心把我的AT Mono3唱頭的針尖給弄斷了，那時Colin還在對唱頭一頭熱的時後，答應幫我修，沒想到國琳兄先是受傷，在來是把興趣轉到其他的音響產品的設計以及錄音上面，於是苦命的唱頭就這麼躺在國琳兄的店哩，一躺半年。
其間，我的好友Thiel也歷經多次唱頭的問題，再加上新近買進的唱頭的阻尼出了點問題，身為資深眼科醫師的他有著一雙靈巧的手以及無比的細心與耐心，所以就起始向國琳兄與朱師傅討教有關唱頭修理的種種要點，有一天，他起始修理自己的唱頭的阻尼，竟然一試成功，於是他信心大增，再加上我的慫恿，於是答應幫我修理我的唱頭。
詳細過程請見: 求石記
這是唱頭修好之後的樣子。
今天，我將修好的唱頭裝在我的3012R唱臂上。由於我的Mono唱片多半年代久遠，所以片況不一，一剛開始的一兩張唱片出現一點破音，我以為也許是唱頭沒弄好，不過我決定拿出幾張我確認過沒問題的唱片，果然是我多疑了，沒有破音。接下來是一聲道沒聲音，剛開始我以為是一邊斷了線，我把唱頭蓋鎖緊一點後也解決了這問題。接著是右邊聲道比較小聲，我把接點清潔液取出，在唱頭蓋與唱臂接點處摩桬數翻後也正常了。
我的設定，針壓1.9克，抗滑四格，VTA在支點處高於水平0.3cm。
有的Mono唱片頻寬略窄，我以前也有此一看法，不過聽過眾多好友的AT33Mono後，這一貴過我的唱頭兩倍價錢的唱頭確實在高頻上勝過我的唱頭，不僅聲音細緻，堂音也豐富許多，但是AT mono3勝在中頻扎實，聽起獨奏來特別過癮。所以我的前兩張唱片就以小提琴獨奏曲開始。
不管是柯剛還是歐依斯特拉夫，明顯的，換過針尖的唱頭各方面都細緻許多，小提琴不再是雄壯的聲音，而是強力中帶點優雅，我幾乎要說它跟AT33Mono差不多了。樂團的伴奏也清晰可聞，比過去因為大聲雄壯而糊成一團的狀況要好許多。
接下來用鋼琴做一下測試。這是阿勞年輕一點的時候與朱里尼的名演，照理應該有Stereo版本，不過即使有那也是我買不起的。我記得不知是第一號還是第二號是上過TAS的榜單的。聲音當然是很優異，詮釋上更是不輸給巴克豪斯與貝姆的演出。鋼琴的聲音非常扎實，而因為伴奏線條清晰，對於欣賞此一曲目有許多幫助。這張唱片的第一面刻到比較內圈，但是在最後的總奏也一點沒有問題，安然過關。
接著是布萊恩的史特勞斯法國號協奏曲。這張唱片發揮了我的系統的優點，那就是管樂。布萊恩的吹奏幾乎要催到樂器與錄音的極限，非常過癮，在極限處，AT mono3呈現幾乎要崩潰的地步，但是好險，就差這麼一點就要破音了。這樣的聲音讓人不禁懷疑到底是錄音，唱片本身，還是唱頭能力的問題所造成的(我可以確定不會是喇叭的問題，我想我很清楚Altec288的威力)，不過這樣"驚險"的聲音是非常吸引人的。喜歡法國號的朋友這一張唱片非常值得擁有。
接下來是安賽美的天鵝湖，我的唱片的片況並不好，不過已經足夠展現出此一錄音的優越處。聽了這個演奏後，不禁讓我想起電影無間道裡對音響的形容，那是高音美，中音厚，低音勁(請原諒我記不起正確的台詞)，除了音場在中間之外，深度是可以明顯感受到的。並不覺得相對於立體聲版本有任何不足，尤其是頻寬方面。加上我很少坐在皇帝位上聽音樂，所以這套唱片對我而言是超值的。配上修改過的針尖，我覺得比之前沒壞前好上許多。
然後我試聽的是曾經讓彭老大落淚的克倫裴勒指揮的貝多芬英雄，我是直接進入英雄主題的。多數人對於克氏的指揮的所謂的厚重是不太喜歡的，但是這樣的印象多半是聽CD所致，至少我個人是這麼認為。克氏並不像有的指揮過度刻意的扭曲速度以致過慢，他的指揮是層層推進，讓人感到音樂巨大的層次感，說理上是明辨雄壯的，這樣的個性，難怪會是彭老大這樣的優秀的歷史學者的最愛。修好的唱頭在演繹此一演奏，在結構巨大下附與輕盈的一面，讓此一演出宛如會飛的大象，這正如彭老給我的感覺一般，因為在我的心目中，彭老正是如龍象般巨大，但是也如蜂鳥蚱蜢一樣輕盈。
最後我想是的是這便宜的唱頭對付極難的樂段的能力，也就是對鋼琴施以巨力以及女高音的強力唱頌。我選的是波里尼的蕭邦波蘭舞曲以及柏崗扎的西班牙歌曲，兩者都是STEREO的版本。前者在最內圈處的強奏一向是我調整的試金石，我必須說，在外圈處，ATmono3表現不錯，比我的常用頭Lyra Dorian差一點點而已，所差者還是在最強奏處有過飽和的感覺，不過差距不多，至少在這方面，EMT JSD5與Lyra Dorian的差距還更大一點呢，但是在最內圈處還是稍有一點破裂聲，不過我必須說的是，mono唱片鮮少有如此的嚴酷考驗的情況出現，而這個還是跟比他貴上許多倍的唱頭比呢。最後是女高音部分，這張唱片即使是Lyra Dorian在唱到最強處，也是出現接近崩潰的狀況，雖不致出現破音，但是已經有一點刺耳，經驗告訴我，那是器才能力不足出現的失真，這狀況在EMT JSD5就好非常多。AT mono3的表現卻出乎我的意外的，在這一點的表現是介於Lyra與EMT之間，但是一樣在極強烈處出現些許飽和的感覺，人聲非常厚實，宛如近30年前我在國父紀念館前排所聽到的，極具穿透力與感染力。
在此，我必須說，修過的AT mono3比沒修過的要好上一截，假如您看了thiel兄登出來的照片，應該會發現新的針尖不同於原針尖，我不禁好奇，要是會上不同的針尖會出現什麼狀況。我進一步好奇，若是換成更好的針桿，不知會是什麼光景呢!
最後，我要再次感謝thiel兄，除了是一個眼科聖手之外，看來還是一位很棒的唱頭醫生。當然更是我一生的好友與兄長。
2010年7月30日 星期五
音樂呈現的多樣性: 鍵盤，弦樂與管弦樂團
朋友請我去講一場音樂，我想了一下，上了台去，總不好像私下一樣胡謅，所以定了一個比較正經八百的題目，但是談起音樂來，我一向很難正經八百，逼不得已，先打個底稿，以免到時貽笑方家。
摘要:
音樂的表現方式其實不會只有一個面向，就像是唱口水歌時可以採用與原唱者不一樣的唱法來凸顯歌者的優點。在古典音樂裡，同一首曲子可以用不同的樂器配置來呈現作曲者的意圖，最著名的是拉威爾改編穆索斯基的展覽會之畫。不過也有作曲者自己將自己的曲子做一下改變的例子，例如貝多芬的英雄交響曲的主題之一就由貝多芬自己寫了一首由鋼琴獨奏的英雄主題變奏曲。而音樂之父巴哈的曲子被改編的頻率也非常高，因為巴哈的曲子常常不限定該用哪一種樂器來演出。這一次的音樂欣賞時間，我們會欣賞到一些比較耳熟能詳的曲子用不同的樂器配置，以便大家可以做個比較，看看自己喜歡哪一種表現方式。在這裡，還是要提醒愛樂者，其實音樂的呈現方式沒有所謂的優劣之分，也不必一定要套一個大帽子在音樂家身上，重要的是享受音樂的過程喔！
有畫家主張一幅畫完成後，畫家的自我就已經完成了，至於觀畫者要怎麼看這幅畫就是觀畫者自己的問題了。對於不會自己演奏的人來說，要欣賞音樂就需要依賴演奏家來演出才可以。因為音樂畢竟是比較抽象的，就像是一些現代藝術品一樣，沒有作者或專門的解說員來解說，有時候還真難以理解。音樂的詮釋隨著觀點的不同，會有不同的做法，許多人會覺得應該尊重作曲家的意圖，有的人覺得再創作才是音樂的真意，當古典音樂的作品被演出者依照其意而恣意演出，久而久之，反動的勢力就會浮現，所以古樂派，或者考據派，就會出現，盛行，而且每一個古樂派都會宣稱自己做的考證是最完整的，但是同樣一首貝多芬的交響曲，布律根與諾靈頓的聽起來也是完全不一樣的，那到底哪一個才是最正統，最回到貝多芬原意的演奏呢？，不過一陣子之後，這樣的風潮總是慢慢退去，然後可能又會回到由演出者為主的詮釋方式。對於考據派，我一點也沒有貶抑的意圖，只是，時間經過了百年，又有哪一位真正知道作曲家的真正意圖呢？何況，要是死去的作曲家復活了，我想他自己改變心意的機率也很高吧！貝多芬因為得到新的鋼琴而寫作漢馬克拉維，但是要是給他一台史坦威D型鋼琴，很多人相信，這首漢馬克拉為一定不僅只是我們今天聽到的這樣子，所以吉利爾斯與波里尼在演奏這曲子的時候，用力把鋼琴敲得震天嘎響也不是沒道理的，換成貝多芬本人，恐怕不只是把琴弦敲斷而已，中間來段即興演奏以便用到所有的琴鍵也不是不可能的喔，現代的爵士樂手不就想歡這樣做嗎！所以指揮家伯恩斯坦就常常隨自己的意思來指揮樂團，而縱使口口聲聲說要照著樂譜演出的托斯卡尼尼，仔細聽了他的錄音後，還真會懷疑他到底有沒有身體力行呢！
不過我們這裡要談的跟音樂家詮釋上的不同有一點不一樣，一般詮釋上的不同對不是很熟悉曲目的聽眾來說是不容易深刻體會到的，但是當演出所使用的樂器與編制不同時，那麼就很可以體會到他們之間的不同了。這種同一個曲子經過改編後以不同的方式呈現的例子很多，有的是作曲家自己改編，有的是其他的作曲家所改編，假如是好的作曲家改編的，通常不輸給原來的作者所寫的原曲，甚至比原來的還受歡迎的也有喔！當然了，由作曲家自己改編的也有，通常是原曲演出後，受到好評，就再接再厲出下一個版本，畢竟多出一些授聽眾歡迎的演出版本，對收入來說是不無小補的。
我們今天第一首要介紹的是Bach的D小調Toccata and Fugue，BWV565。這是原來位管風琴所作的曲子，這首曲子在當時，不管是風格與旋律都超乎當時人的想像，即使以今日的觀點來說，都夠前衛了，在平行八度音重現以螺旋式出現的旋律，喧囂與壓迫性，是獨一無二的。這樣的曲子，後世的改編者當然不會放過，1927年，管旋樂團的魔術師，Stokowski改編了Bach數首曲子為管弦樂版本，並且在1940年代的迪士尼卡通”幻想曲”(Fantasia)裡親自指揮，當作開場之用，另外一個我常聽的版本是Canadian Brass採用銅管樂器所演出的版本，聽起銅管齊鳴來演出，真是過癮。在這裡我要介紹的以管風琴演出的是Peter Hurford為argo公司所錄音的版本(D207D 3)，而管弦樂版則是Robert Pikler指揮雪梨交響樂團，由Chandos所發行的版本(ABR1055)。不採用Stokowski的演奏只是因為錄音音效的關係，畢竟史氏的錄音過於老舊而已。
另外一個Bach最常被改編的曲子是郭德堡變奏曲，BWV988，原為大鍵琴所作的曲子，其中包含以一段aria為開頭，輔以30段的變奏。相傳是Bach寫給他的學生Goldberg，讓Goldberg用來彈給他時常失眠的雇主，Count Kaiserling。不過我自己倒是很懷疑這樣的曲子怎麼讓失眠的人可以安然入睡，因為其間高潮迭起，峰迴路轉，時而低吟，時而高亢，恐怕睡著的也會被弄醒，不過有趣的是，我放這曲子給Diane聽時，她不僅喜歡，而且也常常聽聽著就睡了，不過我還是認為是Diane睏了，跟這曲子無關。這曲子的改編，從管弦樂版，室內樂版，爵士樂版，到電子合成器版都有。我們今天要聽的是Leonhardt以大鍵琴演奏，由德國的德律風根公司所發行的版本(SAWT9474-A)。而改編版本是1984年由Sitkovetsky改編，而且由改編者，與另外兩位傑出的音樂家Causse與Maisky分別擔任中提琴與大提琴的角色的演出，Orfeo公司出版(S138851A)。
接著，我們要聽的是Mozart的小夜曲，”Eine kleine Nachtmusik”，K.525。這首曲子大概連不聽古典音樂的人會在某些場合聽過而記他的旋律下來。雖然這曲子這麼出名，卻是在Mozart死後很久的1827年才出版，所以電影阿瑪迪斯裡的情節也許不是的真實發生過的。在當時，此曲通常是以弦樂四重奏在加上一把低音大提琴來演出的，不過近代，此曲的演出就多半以弦樂團的方式演出，由於只是將每一聲部的樂器數目增加，所以不必經過改編，這樣的做法也出現在貝多芬的弦樂四重奏曲身上。由於演出的人數增加，感受當然與僅僅用五把樂器演出在場面與氣勢上有所不同，至於喜歡與否，就見仁見智了。這裡要播的是由Amati Kwartet再加上Woodrow的低音大提琴的演出，EMI出版(C055-24930)。弦樂團版本則是1982年卡拉揚指揮柏林愛樂的演出，由DG出版(2532 031)。值得一提的是前者所使用的樂器是由名製琴家族Amati家族所製，如下:
- Violin 1637, ex-Daisy Kennedy, Nicolò Amati
- Violin 1627, Antonio & Girolamo Amati
- Viola 1607, Antonio & Girolamo Amati
- Cello 1690, Girolamo Amati II
而由作曲家自己來的例子，我們要介紹的是貝多芬的英雄交響曲。英雄交響曲的主要旋律之一是源自1800年的 The Creatures of Prometheus，Op.43，接著在1802年完成以鋼琴獨奏的英雄主題變奏曲，Op.35，然後接著於1803年完成Op.55的英雄交響曲。在英雄交響曲的最後一個樂章的一開始就採用與英雄主題變奏曲一模一樣的主題。貝多芬厲害的地方是不管是用管弦樂團，還是只用一台鋼琴，都可以完完全全展現這個英雄主題的傲視天地般的氣勢。我們今天要聽的是1961年出版的Sargent指揮英國皇家愛樂的演出，由EMI出版(SXLP 20040)。而Op.35的英雄主題變奏曲是由Brendel在1984年錄音的，Philips出版(412 227-1)。
接下來我們要欣賞的是改編的工作由作曲家以及後人一起完成的布拉姆斯的匈牙利舞曲。這首曲子在Brahms在世時就版本眾多了，因為它實在在當時太受歡迎了， 實際上也應該是Brahms版稅收入最豐的作品，不過，其實在這除了21首小曲子當中，Brahms的原創只有11，14，16三首，其他的也是改編自前人的旋律，不過馬札爾人在匈牙利的存在證據已經很薄弱了，而到底他們是何時與怎麼消失的還沒有一個定論，所以與其說這是匈牙利/馬札爾風的曲子，還不如說是吉普賽風吧！Brahms自己寫的一個四手聯彈的版本，而管弦樂本則是由他本人以及後來的作曲家所完成，其中最著名的是德弗乍克，但是Brahms本人只做了其中的三首，剩下的18首都是其他人所完成的。我們要欣賞的管弦樂版本是Ivan Fischer指揮布達佩斯慶典樂團，Hungaroton出版(SLPD 12571)。四手聯彈的版本是年前來過台灣的拉貝克姊妹(Labeque)在1981年錄製，Philips發行(6514 107)。
接著是莫索斯基在1874年完成他的展覽會之畫，這應該是作曲家最出名的曲子，是在觀賞亡友的畫作後所寫的。這是一個以漫步(Promenade)主題貫串全曲的精彩鋼琴獨奏作品。這是一首難度非常高的曲子，名鋼琴家李希特也是在一次廣播錄音裡以輝煌的技巧演奏此曲才為西方世界所知悉。由於此曲實在太過精彩，同樣是死後多年才出版樂譜，但是後來出現的版本實在眾多，一般在演奏時還會註明是哪一個出版，因此改編的人也非常多，室內樂，管弦樂，雙鋼琴，電子樂器，國樂，爵士樂，實在族繁不及備載，連著名的搖滾樂團ELP都來插一腳。但是其中還是以1922年拉威爾所改編的管弦樂版最著名，我想原因大概是拉威爾除了是一個偉大的作曲家之外，同時也是一位鋼琴家，而此曲以觀畫之印象所寫成，也不無所謂印象派的觀點了。我們今天要欣賞的版本是李希特在1958年的Sofia廣播錄音，由CBS所出版(Y32223)，如前所述，這是李希特震驚世界的錄音，雖然錄音狀況不佳，但是李希特的演出到今日還是無出其右。第二個是拉威爾的管弦樂版本，由塞爾指揮克利夫蘭交響樂團所演出，在1973年由CBS所發行(Y32223)。另外一個值得一提的版本是Stokowski所改編的版本，由Stokowski自己所指揮，也是很有魅力的版本。
1911年史特拉文斯基為迪亞齊列夫所做的芭雷舞劇彼得洛希卡，舞劇的演出是成功的，但是很多觀眾覺得這曲子很尖銳，難以接受，甚至一度，當舞團到維也納表演時，當地的樂團拒絕演出。從今天的角度看來，此取無疑是史氏最棒的作品之一。在1921年，史氏將此曲改編成三樂章的結構，並且當時是由鋼琴家魯賓斯坦來擔任獨奏，1947年，作曲家再次改編，此次改編是參考1921年的鋼琴版本，並且將樂團的編制縮小，同時讓主題由小號來擔任。後來他也將部分刪除，以便更合適比較簡短的音樂會演奏。這是少數所有改編版本都是由作曲家自己完成的，由此可見此取在作曲家心中的地位。我們今天要聽的版本首先是布列茲指揮紐約愛樂的版本， CBS在1971出版(CBS 79318)，這是採用1911年的版本。接著是鋼琴家波理尼的1972年錄音，DG發行(這裡用的是日本1995年壓片POJG 9012)。然後是1947年的管弦樂版本，由朱理尼指揮芝加哥愛樂的1969年錄音， EMI發行(C 063-02070)。
最後，我們來點輕鬆的。那就是由柏林愛樂的12位大提琴手一起演奏Beatles的名曲。Yellow Submarines，Let it Be，以及Yesterday。1983年Teldec發行。
2009年10月7日 星期三
Es träumte mir
I had a dream
that I was dear to you,
yet of awakening
there was scarcely a need,
for in the dream itself
I already sensed
it was just a dream
一個人的早晨, 自己在寫著要投到明年在巴黎舉辦的會議的論文, 卻發現在這樣的歌聲裡, 讓人不得不停下手來, 聽完他.
Ameling如絲絹般的聲音雖然讓我停下來幾分鐘, 可是接下來得到的力量, 以及想著還是把文章寫下去, 做夢著明年春天, 我漫步在巴黎的街頭的情境.
這是Brahms 作品57. I had a dream.
2009年6月10日 星期三
44 Years of Playing
許多演奏家沒能跨進立體聲錄音年代, 因此被許多人忽視或甚至遺忘. 他們活在單聲道的錄音裡, 被單聲道錄音迷所喜愛, 甚至追尋.
庫倫肯普夫(Kulenkampff, 1898~1948), 六歲習琴, 十四歲成為獨奏家, 二十五歲擔任柏林音樂學院教授, 因為戰爭流亡, 五十歲因為脊椎病變過世.
他演奏改編的Schubert D.839, Ave Maria, 緩慢深情得令人動容. 他的Brahms violin concerto的慢板樂章也是.
50歲夠不夠多? 好希望庫倫肯普夫可以活久一點, 留下更多的錄音給後世. 不過, 也許這樣就夠了.
就夠了.
2009年5月18日 星期一
敘事曲
我一向喜歡敘事曲的曲式的作品, 最知名的可能是Chopin的Ballade, 這些曲子錄音者眾, 若是要錄音效果與演奏俱佳者, Zimerman這在獲得Chopin首獎後一連串的錄音演奏活動後, 決定沉潛再復出的作品確實讓人眼睛一亮. 強大的動態配合著心情的起伏, 每次聽完都會沉思再三.
而Brahms在年輕時也譜下Ballades, 我的好友吳鳴為了Emil Gilels所演奏的版本寫過感想, 這素樸的Ballade有了另外一種風貌, Gilels的故事說得極好, 加上絕佳的控制力, 強大的對比, 與Zimerman的Chopin的Ballade有著相似的樣貌, 雖說不見得是作曲家所希望的意旨, 但是一首曲子本不必有著固定的演繹方式, 要不然有一個版本就夠了, 不是嗎?
好友傑拉德提過Schubert的a minor奏鳴曲是他極喜愛的曲子, 我百思不得其解, 因為在我數套Schubert 鋼琴獨奏全集裡, 似乎找不到那一首a 小調是可以比擬958,959與960這三首的. 這個疑問我也冰封在我的記憶裡了. 直到最近在整理被女兒弄亂的櫃子, 我瞥見Lupu所彈的845與894. 咦! 845是a小調, 我心裡在想是不是這首呢? 於是順手放了起來, 隨著Lupu的琴聲我陷入了沉思.
Lupu緩慢地鋪陳音符, 時而緩步, 時而停步, 時而闊步, Lupu精確地利用他的踏板控長短與觸鍵的輕重, 營造出遠近的感覺, 而忽而緩慢與忽而急促的步調, 讓聽的人的心情隨著起伏不定, 好像在聽一段有悲有喜, 有愛有恨, 有激情有平靜的故事, 我聽著聽著不禁陷入了沉思, 一方面是被Lupu的琴音所迷, 另一方面也自沉吟著這種感覺在那裡也遇到過. 這不像奏鳴曲呀!
一直到我聽了Zimerman彈Chopin的Ballade我才意識到Lupu所用的方式是用彈敘事曲的方式來彈這手奏鳴曲, 而當我聽到Gilels彈Brahms的op.10 Ballade時我才找到原來一直迷惑著我的感覺, 原來Lupu用的手法非常類似Gilels這裡的彈法, 只是Brahms的曲子多了更多的隱誨, 更多的矛盾, 這真不像一個20出頭的人寫出來的東西, 而Schubert的故事簡單許多. 我還特別喜愛的是Lupu右手所彈出來粒粒晶瑩的琴聲. 整首曲子迷離的感覺讓我喜歡它多過Brahms的Ballade, 不過也許換成別人彈Brahms的Ballade會有不同的結果吧!
對了! 前面提到我也聽過其他版本, 但為甚麼沒能感動我呢? 舉Brendel為例, 他一剛開始非常好, 聲音更美, 但是之後他一加了速後, 就回不到一剛開始那種美與撲朔迷離的感覺, 而肯普夫則把他當一般奏鳴曲來彈, 展開, 重現, 一一照本宣科且 Schubert的曲子所需的Rubato也沒了, 無趣極了.不能打動我這老大還愛作夢的我.
忘了提我當天用來聽Lupu 845的器材, Apple NB耳機輸出加上Altec 1500元電腦喇叭.
後來當然買了LP.
2008年12月12日 星期五
沒聽過這張不算聽過曼紐因
曼紐因的神童傳奇被傳頌很久, 不過一般人對他的評價並不高 我聽過他的一些立體聲錄音也覺得如此, 所以我也一直人云亦云的覺得Menuhin不過是利用是英國人的優勢而已. 但是假如你挖掘深入一點, 那麼有些事是會改觀的. 我們先從小品開始.
這張小品可以聽出來曼紐音的技巧實在是無懈可擊, 與Ricci等相比, 一點也不遜色. 你可以在Youtube上聽到他演出Sarasate的曲子, 以及其他早期的Menuhinu. 這張專輯裡的母親教過我的歌比起發燒片Delmoni所演奏的更令人動心.
其他標準曲目, 還是要找早期Mono錄音的, 我貼幾張出來吧!
與Kempe合作的Brahms.
與福特萬格勒合作的孟德爾頌.
與Silvesti合作的Beethoven.
上面的錄音是在1950年代錄的mono錄音, 此時的Menuhin進入成熟的階段, 技巧也仍然保持得很好, 英國人的悶燒與悶騷讓音樂多了一些頓點與轉折, 你會覺得似乎多了一點思緒, 比其他人的演奏彈性多一點, 連續音與滑奏很美, 有一點點像是要拉帕格尼尼一樣, 比起一般表較平穩寬廣的演出, 我更喜歡這樣演出的Beethoven. 這樣的特點在Brahms的慢板樂章裡更明顯, 也配合了那種Brahms特有的悶燒. 而孟德爾頌就真的燒了起來了.
但是所有傳頌必須在聽過Menuhin1932年在作曲家親自指揮下的Elgar violin concerto的錄音中方才認識到Menuhin的天才. 這首本來要請克雷斯勒來錄的曲子, 交到了Menuhin的手上, 英國人的悶燒你都可以聽得到, 因為曲子悶燒, 伴奏也悶燒. 聽過杜普雷的Elgar cello concerto的一定會了解我說的. 再版的HMV ALP把聲音重製的非常好, 也許一開始你會覺得這是非常mono典型的錄音, 音場狹小, 頻寬不足, 但是當進入Menuhin的琴聲之後, 似乎這些都不是太大的問題.
我們能怪一個人因為年紀而帶來的退化嗎? 也許Menuhin應該讓他的傳奇留在mono時代, 在他無法再輕易駕馭他的琴時停止一切錄音嗎? 我不這麼認為, 這是身為一個人的宿命, 但是這樣的過程並不羞恥, Menuhin仍然在STereo時代錄下不少作品, 可能多數人以為不如他的mono錄音, 不過假如您聽一下他跟肯普夫的Beethoven violin sonata的錄音, 兩位老先生真的展現出歲月所帶來的圓融, 將Beethoven曲子中的衝突化開, 是一種不是一般人能達到的境界, 當然也是年輕的曼紐因所無法做到的, 儘管那時的他有多高超的技巧.
2008年10月29日 星期三
From Franz D.959 to Johannes Op.115
中年以來, 我變得喜歡起Brahms來了. 年輕時總覺得Brahms那種有話不一次說清楚的音樂讓人很受不了, 就像食物卡在喉嚨一樣, 現在知道, 原來很多事情本來就講不清楚, 要不然就是講清楚後會得罪人或惹禍的, 所以乾脆少講一點吧!
會遇到Brahms的Clarinet Quintet完全是因為Fitzwilliam String Quartet這個我最喜歡的樂團, 這也是這個團為數不多的錄音的其中之一. 所以在一次看到有人賣這張片子時就順便撿了起來, 一直到最近整理唱片才拿出來聽.
這首Clarinet Quintet並沒有讓我覺得有那種Brahms式的話卡在喉嚨的感覺, 一剛開始, 音樂就很流暢的進行著, 木管與弦樂交織出來的光譜很豐富, 聽起來比一般的弦樂四重奏有趣多了, Fitzwilliam String Quartet的演出不再像他們演出Beethoven String Quartet時那麼強調對比, 他們把這個工作交給了演奏Clarinet的Alan Hacker, 每次激烈的對答總是由Clarinet發動, 然後同樣再由他來平緩, 這在慢板樂章尤其明顯, Alan Hacker可以用最大的氣力激發出不和諧到刺耳的聲音, 也可以用輕緩的聲音撫摸耳朵, 往往在你還沉醉在前一刻的旋律, 突然Clarinet緩步進來, 你以為他會延續適才的優美時, 拔尖的聲音把情緒拉到最高, 然後再放緩, 這個慢板樂章是古典音樂裡非常具有暗示性以及神秘性的樂章之一, 就像Schubert的D.956與D.959一般, 這個演奏非常即興, 非常自由, 讓Brahms創造的音符來帶領著樂團的節奏, 以及聽者的情緒, 第三樂章則讓前一樂章的張力平靜下來, 用一種詼諧歌唱的方式. 最後的樂章呼應第一樂章, 在這裡Alan Hacker如是寫著: In the beginning is my end. In the end is my beginning.
我似乎可以反覆著聽著這個曲子直到永遠一樣. 這個錄音的把弦樂與豎笛的音色非常豐富地結合起來, 尤其是Clarinet的Texture表現得非常棒.所有偉大的音樂家在他們的慢板樂章都可以表現得出奇的美, 而Brahms的慢板樂章除了美之外, 深沉悠遠的味道也大概是像我這樣的中老年人才可以體會的吧!
【後記】這篇的文章寫的不是Schubert的音樂, 不過我在這首曲子裡感受到Brahms與 Schubert之間的聯繫.
2008年9月10日 星期三
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